Категория: искусство

Начало балетной эпохи во Франции и во всём мире

15 октября 1581 года при французском дворе состоялось представление зрелища, которое принято считать первым балетом - «Комедийный балет королевы», поставленное итальянским скрипачом, «главным интендантом музыки» Бальтазарини де Бельджозо.




В конце Средневековья появился интерес к классическому прошлому, который привёл к Ренессансу. Во время ренессанса внимание сместилось с общества в целом на отдельную личность. В результате, в этот период на танцоров стали смотреть как на идеальных людей.

Наиболее выдающиеся усовершенствования в хореографии во время Ренессанса были произведены в городах-государствах на территории современной Италии. Балет возник при дворах как развитие торжественных спектаклей, которые ставились во время праздников для аристократов. Придворные музыканты и танцоры вместе участвовали в развлечении знати.




Балет Ренессанса был гораздо беднее современного. Пачки и пуанты ещё не были в использовании. Хореография была создана на основе шагов придворных танцев. Актёры одевались в костюмы по тогдашней придворной моде. В ранних балетах зрители также могли принимать участие в танцах в последних действиях.

В 15-м веке людей, которых можно было бы назвать хореографами, было совсем немного. Сейчас известно лишь про тех из них, которые писали про танцы, работы остальных утеряны. Доменико из Пьяченцы, или Доменико Феррарский был одним из таких хореографов. Вместе со своими учениками Antonio Cornazzano и Guglielmo Ebreo он преподавал танцы дворянам. Доменико написал одну работу De arte saltandi et choreus ducendi, которая была сделана вместе с его учениками. Доменико, вероятно, наиболее известный хореограф эпохи, так как после него осталось много описаний его работ.




В своей книге Доменико использовал слово ballo вместо слова danza, хотя они оба означают танец по итальянски. Поэтому его танцы стали известны как baletti или balli, balletto. Вероятно от этого слова и произошло современное слово «балет». В 1489 году в Тортоне на пирах у Бергонцио ди Битта, танец, называвшийся entrée, начинал каждую часть пира. Некоторые рассматривают это как первый балет.

В 16-м веке появились так называемые spectaculi — грандиозные представления- в северной Италии. Они включали не только танцы, но и конные представления и битвы. Отсюда возникло слово spectacle, используемое во французском языке при разговорах о балете.

Когда Екатерина Медичи, итальянская аристократка, имевшая интерес к искусствам, вышла замуж за наследника французского престола Генриха II, она принесла свой интерес к танцам во Францию. Она же была первым спонсором балетов. Тогдашние балеты сочинялись на мифологические темы.




Екатерина Медичи как «Королева Мать» Франции устраивала грандиозные spectaculi. Одним из заметных был «Польский балет», который был поставлен к визиту польских послов в 1573 году.

Возможно одним из первых традиционных балетов был "Комедийный балет королевы", поставленный Бальдасаром Бальтазарини да Бельджозо, который представлял собой балетную драму. Его смотрели десять тысяч зрителей и он длился с 22:00 до 3:00. Тогда балет включал не только танцы, но и разговоры и элементы драмы, и потому длился так долго. Он был назван baleto-comique.

В том же году трактат Il Ballarino авторства Фабрицио Карозо, представлявший из себя руководство по изучению придворных танцев, как социальных так и для спектаклей, утвердило Италию как центр развития танцевальной техники.




В течение следующих 50 лет танец постепенно вытеснил из балета элементы драмы. Балетные представления теперь давали не только при дворе, но и в театрах за деньги.

В это время дворяне, включая Людовика XIV, исполняли в балете роли разной важности. Это делало фоновые роли и роли отрицательных героев более престижными.

Метки:
promo teachron february 21, 2014 11:52 1
Buy for 100 tokens
Больше страсти! - говорит режиссер оперному тенору. - Неужели вы никогда не любили? - Любил, - отвечает тенор. - Но никогда при этом не пел. От меня зависит, в каком свете будет представлена новая пьеса. - Вы режиссер? - Нет, осветитель. В опере: - Тебе не нравится? - шепотом спрашивает…

Знаменитая статуя Спасителя в Рио-де-Жанейро

12 октября 1931 года состоялось торжественное открытие и освящение статуи Спасителя на вершине холма Корковаду в Рио-де-Жанейро.




Статуя Христа-Искупителя — знаменитая статуя Иисуса Христа с распростёртыми руками на вершине горы Корковаду в Рио-де-Жанейро. Является символом Рио-де-Жанейро и Бразилии в целом. Избрана одним из Новых семи чудес света.

В 1921 году приближающаяся столетняя годовщина национальной независимости Бразилии вдохновила отцов города — Рио-де-Жанейро тогда был столицей Бразилии — на создание статуи Христа-Искупителя. Журнал «Крузейру» объявил сбор средств по подписке на сооружение памятника. В результате кампании было собрано более 2,5 миллиона рейсов. К сбору средств подключилась и церковь: тогдашний архиепископ Рио-де-Жанейро дон Себастьян Леме принял большое участие в деле создания монумента.




Постройка статуи продолжалась около девяти лет — с 1922 по 1931 гг.

Первоначальный эскиз памятника разработал художник Карлос Освальд. Именно он предложил изобразить Христа с распростёртыми в благословляющем жесте руками, отчего издали фигура выглядела бы как огромный крест. В первоначальном варианте пьедестал для статуи должен был иметь форму земного шара. Окончательный проект монумента был разработан бразильским инженером Эйтором да Силва Коштой.

Так как по ряду причин, в том числе технологических, создать такую огромную скульптуру в Бразилии было тогда невозможно, все её детали, включая каркас, изготавливались во Франции. Статуя изготовлена из железобетона и талькохлорита.

В 1924 французский скульптор Поль Ландовски закончил моделирование головы и рук статуи. После этого румынский скульптор Георге Леонида работал над созданием головы Христа с 1925 по 1931 год. В разобранном виде все детали монумента доставлялись в Бразилию и по железной дороге транспортировались на вершину горы Корковаду.




От конечного пункта рельсового пути к подножию статуи была устроена извилистая лестница из 220 ступеней, получившая прозвание «Караколь», а в толще мраморного цоколя — маленькая часовня.

12 октября 1931 года состоялось торжественное открытие и освящение монумента, ставшего символом Рио-де-Жанейро.

В 1965 году статуя была повторно освящена папой Павлом VI, а в 1981 году на праздновании 50-летия монумента присутствовал папа Иоанн Павел II.

Мировая премьера оперы "Золотой петушок"

7 октября 1909 года в Оперном театре Зимина в Москве дана мировая премьера оперы «Золотой петушок».




«Золотой петушок» — последняя опера Николая Андреевича Римского-Корсакова, написанная в 1908 году по одноимённой сказке А. С. Пушкина. В этой опере отразились события, происходившие в России в 1905 году.

Начало работы над оперой относится к осени 1906 года. Решение сочинять оперу на этот сюжет пришло очень быстро. Еще в июле 1906 года Римский-Корсаков писал в письме Кругликову, что у него «нет охоты думать о каких-либо планах», а уже в октябре записывает шуточный стишок:

Сочинять хочу не в шутку
"Золотого петуха"
Хи, хи, хи, да ха, ха, ха.


Сочинение оперы происходило в стремительном темпе. В сентябре 1907 года партитура была завершена и отдана в печать. В январе 1908 года директор императорских театров В.А. Теляковский отдал либретто оперы в драматическую цензуру. Первоначально пропустив текст либретто без изменений, на другой день цензура взяла его обратно и потребовала множественных изменений, причем вымарывались даже пушкинские стихи. В итоге Римский-Корсаков был вынужден согласиться с некоторыми цензурными изменениями, впрочем, он потребовал, чтобы на спектакле продавались отдельно книжечки с полным текстом либретто в оригинальной версии. Однако при жизни композитора постановку оперы осуществить не удалось, она была поставлена лишь после его смерти.




Первая постановка прошла 7 октября 1909 в Оперном театре Сергея Зимина в Москве.




Постановку осуществил режиссер Пётр Оленин, художник Иван Билибин, дирижёр Эмиль Купер; Шемаханская царица — Аврелия-Цецилия Добровольская, Додон — Николай Сперанский, Звездочёт — Владимир Пикок, Амелфа — Александра Ростовцева, Полкан — Капитон Запорожец, Гвидон — Фёдор Эрнст, Афрон — Андрей Диков, Золотой петушок — Вера Клопотовская.

Тут же после первой постановки, 6 ноября того же 1909 года опера была поставлена в Большом театре — режиссер Василий Шкафер, художник Константин Коровин; дирижёр Вячеслав Сук, Шемаханская царица — Антонина Нежданова, Додон — Василий Осипов, Звездочёт — Антон Боначич.

Валентин Плучек и Театр Сатиры

4 сентября 1909 года родился Валентин Плучек, легендарный режиссёр "Театра Сатиры".




В роду Плучека не было театральных деятелей. Но ему было суждено стать режиссером с мировым именем.

Детство Валентина было не безоблачным, и о театре он не помышлял. Рано потеряв отца, мальчик так и не смог найти общего языка с отчимом, фамилию которого ему пришлось взять, покинул дом, подружился с беспризорниками и вскоре оказался в детском доме. Там у него обнаружились способности к рисованию. Он учился живописи и скульптуре. Затем окончил актерское и режиссерское отделения Государственных театральных экспериментальных мастерских под руководством Мейерхольда, в театре которого и стал работать. В 1939 году вместе с Алексеем Арбузовым Плучек организовал театральную студию, где в 1940-ом поставил «Город на заре».

Но главное дело его жизни – Театр сатиры, который Плучек возглавлял на протяжении почти 50 лет.




Когда Плучек принял руководство театром, в труппе уже состояли Татьяна Пельтцер, Вера Васильева, Ольга Аросева, Георгий Менглет, Нина Архипова, Анатолий Папанов, Зоя Зелинская. А вот Андрей Миронов, Александр Ширвиндт(нынешний руководитель театра), Михаил Державин, Юрий Васильев, Нина Корниенко, Наталья Селезнева, Валентина Шарыкина, Алена Яковлева и многие другие актеры были приняты в Театр сатиры при Плучеке.




Нрава он был неровного - как почти все режиссеры. Требовал абсолютной верности и отдачи в работе, но имел на то полное право - сам жил интересами своего коллектива и никогда не ставил спектаклей на стороне. Сатиру рассматривал в самом высоком значении этого понятия. При Плучеке в репертуаре театра были спектакли по драматическим произведениям Гоголя, Грибоедова, Маяковского, Булгакова, Бомарше, Шоу, Брехта, Фриша. Специализация театра не сводилась к тому, чтобы смешить зрителя. Плучек был прямым наследником революционного искусства 1920-х, учеником Всеволода Мейерхольда, то есть носителем идеи театра-воспитателя и просветителя. Но чутье на новую интересную драматургию у Плучека также было отменное.




Громкой премьерой 1966 года стала постановка «Теркин на том свете» по одноименной поэме Александра Твардовского. На сцене Театра сатиры шли спектакли по пьесам Евгения Шварца, Виктора Розова, Александра Гельмана, Григория Горина и Аркадия Арканова, Михаила Рощина. При Плучеке в Театре сатиры начал свой яркий профессиональный путь режиссер Марк Захаров. Его спектакли «Доходное место», «Проснись и пой!», «Мамаша Кураж и ее дети» стали этапными для Театра сатиры конца 60-х, 70-х годов.




Валентин Николаевич Плучек кончался 17 августа 2002 года в Москве на 93-м году жизни. Похоронен на Ваганьковском кладбище.

Метки:

Премьера "Трёхгрошовой оперы"

31 августа 1928 года в берлинском Театре на Шиффбауэрдамм состоялась премьера «Трёхгрошовой оперы» Бертольда Брехта и Курта Вайля.




«Трёхгрошовая опера» - пьеса в трёх действиях, одно из самых известных произведений немецкого поэта и драматурга Бертольта Брехта.

Постановку осуществил Эрих Энгель; художник Каспар Неер в оформлении спектакля использовал найденные им прежде приемы: низкий занавес, щиты с надписями. По обе стороны сцены были установлены холщовые экраны, на которых появлялось название исполняемого зонга.




Оркестр располагался на сцене, в глубине её стоял орган, как бы напоминавший зрителю о пышной академической опере, которую пародировала пьеса Брехта; во время исполнения зонгов на орган направлялись цветные прожекторы, а сцена освещалась золотистым светом. Роль Макхита исполнял Гаральд Паульзен, Пичема - известный по выступлениям в Дюссельдорфе и Дрездене провинциальный комик Эрих Понто, Селии Пичем - Роза Валетти. Музыкальное сопровождение в этой постановке обеспечил оркестр Людвига Рюта.




Спектакль имел шумный успех, в прессе различных направлений разгорелась полемика. Однако большинство критиков приняло спектакль одобрительно, а рецензент «Das Tagebuch» Стефан Гросман даже восторженно: «Брехт наконец победил» — так озаглавил он свою статью о «Трехгрошовой опере». Критик журнала «Театр» Кюршнер оценил успех ансамбля как «самый сенсационный успех сезона».

Но было немало и негативных отзывов. Так, рецензент газеты «Das Tageblatt» 24 июля 1929 года писал: «Всё, без исключения всё, здесь растоптано, осквернено, попрано — начиная от Библии и духовенства вплоть до полиции и вообще всех властей… Хорошо, что при исполнении некоторых баллад, не всё можно было расслышать». Газета «Роте Фане», орган коммунистической партии Германии, отметила в постановке недостаточную социальную конкретность. Публика, писал Эрнст Шумахер, восприняла «Трёхгрошовую оперу» как яркий образец того самого «кулинарного театра», предназначенного для наслаждения, которому Брехт стремился противопоставить свой «эпический театр». Тем не менее, успех был общепризнанным. Весной 1929 года спектакль был возобновлен в том же театре, но с другими исполнителями.

Метки:

Лотта Якоби - гений фотопортрета

17 августа 1896 года родилась Лотта Якоби (Lotte Jacobi). Родоначальница абстрактной фотографии, она прославилась прежде всего сериями портретов.




«Я родилась для фотографии», — говорила Лотта. Её прадедушка еще в 1840 году встретился с Луи Дагером и купил лицензию и оборудование для производства дагерротипов. Вернувшись в Германию, он занялся фото-бизнесом. Ее дедушка, отец, дяди, тети и даже сестра тоже были фотографами. Лотта начала свою карьеру в 12 лет помогая отцу. Через несколько лет она стала одним из самых успешных фотографов в Берлине.

В начале 1930-х Лотта Якоби побывала в СССР и по возвращению в Германию была арестована и направлена в концлагерь, откуда чудом вырвалась. В 1935 году она эмигрировала в США. Здесь ей пришлось начать с нуля, но ее талант и работоспособность быстро превратили ее в преуспевающего фотографа. Многие годы известная всему миру фотостудия Якоби находилась на Манхэттене, на углу 6-й авеню и 57-й улицы.

Хотя Лотта пробовала себя в различных жанрах, наибольшего успеха она добилась в фотопортрете. Каждый ее портрет перерастал в фотоновеллу, читая которую можно было узнать о герое больше, чем из посвященной ему монографии. «Делая портреты, я отказываюсь фотографировать себя, чем занимаются многие фотографы», говорила Лотта. А на вопрос, каков ее стиль, отвечала: «Это стиль тех людей, которых я фотографирую».

Начало пятидесятых стало для Якоби временем трагических потерь: умерла мать, год спустя — муж, еще через два года — ближайший друг семьи, бывший для Лотты опорой после смерти мужа. И художница уезжает к сыну в штат Нью-Гемпшир. Там она продолжает свою карьеру фотографа почти до самой смерти.

Отвечая на вопрос, каков ее стиль, Лотта Якоби говорила: «Это стиль тех людей, которых я снимаю». В разное время в ее объективе были Альберт Эйнштейн и Альфред Стиглиц, Томас Манн и Роберт Фрост, Анри Барбюс и Константин Станиславский.




В 1945 году она фотографировала Марка Шагала и его дочь Иду. Художник долго рассматривал пробные отпечатки снимков, а потом произнес: «Теперь я понимаю: фотография – это искусство».





Лотта Якоби прожила долгую жизнь – 94 года, из которых больше семидесяти отданы были фотографии. Начав в конце второго десятилетия прошлого века, она шла в своем искусстве в ногу с развитием фототехники, с разработкой принципиально новых методов и приемов фотографирования, предлагая собственные, всегда оригинальные, всегда поражающие новизной и изобретательностью, всегда и повсюду немедленно тиражируемые методы и приемы.

Метки:

Апполинарий Васнецов и исторический пейзаж

6 августа 1856 года родился Аполлинарий Васнецов, русский живописец, младший брат Виктора Васнецова. Он учился у Репина, Поленова и, конечно же, у своего брата.




Аполлинарий Васнецов - зачинатель исторического пейзажа. Это новая форма была придумана им. Москва 17 века оживает на его пейзажах «Улица в Китай-городе», «Красная площадь»... В Третьяковкой галерее представлены эпические полотна художника: «Родина», «Тайга на Урале», «Синяя гора», «Кама»…






Искусствоведы и историки говорят, что Васнецов будто сквозь землю видел древнюю Москву. Он знал, что можно найти при раскопках в том или ином месте города. Уже в весьма преклонном возрасте создатель живописной летописи Москвы вместе с метростроевцами спускался в тоннели и шахты. Аполлинарий Михайлович искал в подземельях столицы следы прошлой жизни, ставшей для многих историей и сказкой.




Сын художника Всеволод вспоминал: «Опасаясь, что при работах, связанных с постройкой метро, многие исторические памятники будут навсегда утеряны, отец обратился с письмом в газету "Московская правда". В нём он обращал внимание строителей на большую научную ценность таких находок и призывал их к сотрудничеству со специалистами - историками или археологами… Ему хотелось всё увидеть собственными глазами, прикоснуться к остаткам былой эпохи. Не считаясь ни с чем, он пробирался в самую глубину туннеля. А вернувшись из такой экспедиции, сразу же (пока свежо в памяти) записывал и подробно зарисовывал всё, что видел интересного».

"Солнечный клоун" Олег Попов

31 июля 1930 года родился знаменитый клоун Олег Попов. "Солнечный клоун", так его называют во всем мире.




Неизвестно, как бы сложилась творческая судьба Олега Попова, если бы однажды в Саратове, где он гастролировал, не заболел клоун Боровиков. Без ковёрного, как известно, цирковое представление идти не может, поэтому дирекция попросила Попова заменить заболевшего. Олег Константинович согласился, хотя и не знал ни одной репризы Боровикова. Двадцать дней длился его первый клоунский опыт. Покидая Саратов, Попов вернул Боровикову его костюм, но в Ригу приехал уже не эквилибрист, а клоун Олег Попов.




В 1956 году советский цирк впервые после второй мировой войны отправился с гастролями по странам Европы. Программу составили из первоклассных номеров. Руководство долго решало, кто объединить номера так, чтобы получился цирковой спектакль. В конце концов выбор пал на молодого Олега Попова - самого национального и современного циркового комика. Именно тогда его назвали "солнечным клоуном". В Москву Олег Попов вернулся уже всемирно известным.




Вот что писала о советском клоуне брюссельская газета "Уик-энд": "Сегодня пришел клоун, который принес нам нечто новое. Он, как все клоуны, вызывает смех, но пользуется другими методами. Это - Олег Попов. Он появляется на манеже не в расшитом блестками костюме или остроконечном колпаке, с лицом, обсыпанным мукой... Нет, Олег Попов появляется с огромной кепкой на голове... У него слишком короткие брюки, ботинки "номер сорок три для девочек", но ничего не переходит границ. Его выход не вызывает сенсации. Попов выходит, если можно так выразиться, на цыпочках. Он начинает с нуля и постепенно создает между собой и публикой тесный контакт".

Мария Башкирцева о коммунистах в России

29 июля 1874 года, находясь в Ницце, четырнадцатилетняя Мария Башкирцева (впоследствии известная художница и мемуаристка) сделала в дневнике такую запись: "Говорят, что в России есть шайка негодяев, которые добиваются коммуны; это ужас что такое! Всё отобрать и иметь всё сообща. И их проклятая секта так распространена, что журналы делают отчаянные воззвания к обществу».




«Неужели отцы семейства не положат конца этому безобразию? – возмущалась девочка-подросток за 43 года до Октябрьской революции. - Они хотят все погубить. Чтобы не было больше цивилизации искусства, прекрасных и великих вещей: одни материальные средства к существованию... Хотят уничтожить университеты, высшее образование, чтобы сделать из России карикатуру Спарты!.."

Джорджо де Кирико - художник и теоретик модернизма

10 июля 1888 году родился Джорджо де Кирико - итальянский художник и теоретик модернизма. Он говорил: «То, что я слышу, – ничего не значит; существует только то, что я вижу своими глазами, – и даже более того, то, что я вижу с закрытыми глазами».




В 1910-е годы Джорджо де Кирико создал свои самые значительные произведения – серию видов пустынных городских площадей и натюрмортов, состоящих из совершенно не связанных друг с другом предметов. Художник наполнил самые обыденные ситуации ощущением ирреальности и смутной тревоги.






Он сформулировал теоретическое обоснование так называемой метафизической живописи и оказал огромное влияние на Макса Эрнста, Ива Танги и Сальвадора Дали. Андре Бретон утверждал: «Только произведения де Кирико дали возможность выразить программу сюрреалистов средствами изобразительного искусства».