Категория: искусство

Лотта Якоби - гений фотопортрета

17 августа 1896 года родилась Лотта Якоби (Lotte Jacobi). Родоначальница абстрактной фотографии, она прославилась прежде всего сериями портретов.




«Я родилась для фотографии», — говорила Лотта. Её прадедушка еще в 1840 году встретился с Луи Дагером и купил лицензию и оборудование для производства дагерротипов. Вернувшись в Германию, он занялся фото-бизнесом. Ее дедушка, отец, дяди, тети и даже сестра тоже были фотографами. Лотта начала свою карьеру в 12 лет помогая отцу. Через несколько лет она стала одним из самых успешных фотографов в Берлине.

В начале 1930-х Лотта Якоби побывала в СССР и по возвращению в Германию была арестована и направлена в концлагерь, откуда чудом вырвалась. В 1935 году она эмигрировала в США. Здесь ей пришлось начать с нуля, но ее талант и работоспособность быстро превратили ее в преуспевающего фотографа. Многие годы известная всему миру фотостудия Якоби находилась на Манхэттене, на углу 6-й авеню и 57-й улицы.

Хотя Лотта пробовала себя в различных жанрах, наибольшего успеха она добилась в фотопортрете. Каждый ее портрет перерастал в фотоновеллу, читая которую можно было узнать о герое больше, чем из посвященной ему монографии. «Делая портреты, я отказываюсь фотографировать себя, чем занимаются многие фотографы», говорила Лотта. А на вопрос, каков ее стиль, отвечала: «Это стиль тех людей, которых я фотографирую».

Начало пятидесятых стало для Якоби временем трагических потерь: умерла мать, год спустя — муж, еще через два года — ближайший друг семьи, бывший для Лотты опорой после смерти мужа. И художница уезжает к сыну в штат Нью-Гемпшир. Там она продолжает свою карьеру фотографа почти до самой смерти.

Отвечая на вопрос, каков ее стиль, Лотта Якоби говорила: «Это стиль тех людей, которых я снимаю». В разное время в ее объективе были Альберт Эйнштейн и Альфред Стиглиц, Томас Манн и Роберт Фрост, Анри Барбюс и Константин Станиславский.




В 1945 году она фотографировала Марка Шагала и его дочь Иду. Художник долго рассматривал пробные отпечатки снимков, а потом произнес: «Теперь я понимаю: фотография – это искусство».





Лотта Якоби прожила долгую жизнь – 94 года, из которых больше семидесяти отданы были фотографии. Начав в конце второго десятилетия прошлого века, она шла в своем искусстве в ногу с развитием фототехники, с разработкой принципиально новых методов и приемов фотографирования, предлагая собственные, всегда оригинальные, всегда поражающие новизной и изобретательностью, всегда и повсюду немедленно тиражируемые методы и приемы.

Метки:
promo teachron february 21, 2014 11:52 1
Buy for 100 tokens
Больше страсти! - говорит режиссер оперному тенору. - Неужели вы никогда не любили? - Любил, - отвечает тенор. - Но никогда при этом не пел. От меня зависит, в каком свете будет представлена новая пьеса. - Вы режиссер? - Нет, осветитель. В опере: - Тебе не нравится? - шепотом спрашивает…

Апполинарий Васнецов и исторический пейзаж

6 августа 1856 года родился Аполлинарий Васнецов, русский живописец, младший брат Виктора Васнецова. Он учился у Репина, Поленова и, конечно же, у своего брата.




Аполлинарий Васнецов - зачинатель исторического пейзажа. Это новая форма была придумана им. Москва 17 века оживает на его пейзажах «Улица в Китай-городе», «Красная площадь»... В Третьяковкой галерее представлены эпические полотна художника: «Родина», «Тайга на Урале», «Синяя гора», «Кама»…






Искусствоведы и историки говорят, что Васнецов будто сквозь землю видел древнюю Москву. Он знал, что можно найти при раскопках в том или ином месте города. Уже в весьма преклонном возрасте создатель живописной летописи Москвы вместе с метростроевцами спускался в тоннели и шахты. Аполлинарий Михайлович искал в подземельях столицы следы прошлой жизни, ставшей для многих историей и сказкой.




Сын художника Всеволод вспоминал: «Опасаясь, что при работах, связанных с постройкой метро, многие исторические памятники будут навсегда утеряны, отец обратился с письмом в газету "Московская правда". В нём он обращал внимание строителей на большую научную ценность таких находок и призывал их к сотрудничеству со специалистами - историками или археологами… Ему хотелось всё увидеть собственными глазами, прикоснуться к остаткам былой эпохи. Не считаясь ни с чем, он пробирался в самую глубину туннеля. А вернувшись из такой экспедиции, сразу же (пока свежо в памяти) записывал и подробно зарисовывал всё, что видел интересного».

"Солнечный клоун" Олег Попов

31 июля 1930 года родился знаменитый клоун Олег Попов. "Солнечный клоун", так его называют во всем мире.




Неизвестно, как бы сложилась творческая судьба Олега Попова, если бы однажды в Саратове, где он гастролировал, не заболел клоун Боровиков. Без ковёрного, как известно, цирковое представление идти не может, поэтому дирекция попросила Попова заменить заболевшего. Олег Константинович согласился, хотя и не знал ни одной репризы Боровикова. Двадцать дней длился его первый клоунский опыт. Покидая Саратов, Попов вернул Боровикову его костюм, но в Ригу приехал уже не эквилибрист, а клоун Олег Попов.




В 1956 году советский цирк впервые после второй мировой войны отправился с гастролями по странам Европы. Программу составили из первоклассных номеров. Руководство долго решало, кто объединить номера так, чтобы получился цирковой спектакль. В конце концов выбор пал на молодого Олега Попова - самого национального и современного циркового комика. Именно тогда его назвали "солнечным клоуном". В Москву Олег Попов вернулся уже всемирно известным.




Вот что писала о советском клоуне брюссельская газета "Уик-энд": "Сегодня пришел клоун, который принес нам нечто новое. Он, как все клоуны, вызывает смех, но пользуется другими методами. Это - Олег Попов. Он появляется на манеже не в расшитом блестками костюме или остроконечном колпаке, с лицом, обсыпанным мукой... Нет, Олег Попов появляется с огромной кепкой на голове... У него слишком короткие брюки, ботинки "номер сорок три для девочек", но ничего не переходит границ. Его выход не вызывает сенсации. Попов выходит, если можно так выразиться, на цыпочках. Он начинает с нуля и постепенно создает между собой и публикой тесный контакт".

Мария Башкирцева о коммунистах в России

29 июля 1874 года, находясь в Ницце, четырнадцатилетняя Мария Башкирцева (впоследствии известная художница и мемуаристка) сделала в дневнике такую запись: "Говорят, что в России есть шайка негодяев, которые добиваются коммуны; это ужас что такое! Всё отобрать и иметь всё сообща. И их проклятая секта так распространена, что журналы делают отчаянные воззвания к обществу».




«Неужели отцы семейства не положат конца этому безобразию? – возмущалась девочка-подросток за 43 года до Октябрьской революции. - Они хотят все погубить. Чтобы не было больше цивилизации искусства, прекрасных и великих вещей: одни материальные средства к существованию... Хотят уничтожить университеты, высшее образование, чтобы сделать из России карикатуру Спарты!.."

Джорджо де Кирико - художник и теоретик модернизма

10 июля 1888 году родился Джорджо де Кирико - итальянский художник и теоретик модернизма. Он говорил: «То, что я слышу, – ничего не значит; существует только то, что я вижу своими глазами, – и даже более того, то, что я вижу с закрытыми глазами».




В 1910-е годы Джорджо де Кирико создал свои самые значительные произведения – серию видов пустынных городских площадей и натюрмортов, состоящих из совершенно не связанных друг с другом предметов. Художник наполнил самые обыденные ситуации ощущением ирреальности и смутной тревоги.






Он сформулировал теоретическое обоснование так называемой метафизической живописи и оказал огромное влияние на Макса Эрнста, Ива Танги и Сальвадора Дали. Андре Бретон утверждал: «Только произведения де Кирико дали возможность выразить программу сюрреалистов средствами изобразительного искусства».

Ещё один невозвращенец из балета

30 июня 1974 года во время гастролей в Канаде решил не возвращаться на родину 26-летний Михаил Барышников. Основной мотив — возможность работать за границей с хореографами самых новаторских направлений. По слухам, незадолго до этого Барышников встречался с Рудольфом Нуриевым, эмигрировавшим ранее. Нуриев и Барышников — два величайших танцора XX века. Если первому поклонялась Европа, то второй завоевал Америку...




Миша (так называют Барышникова за океаном) сделал карьеру, адекватную своему редчайшему таланту. Он танцевал в труппах лучших театров мира, работал балетмейстером, а позже директором Американского театра балета.




Авторитетный американский журнал «Тайм» в номере за 14 июня 1999 года опубликовал список ста самых знаменитых и влиятельных людей ХХ столетия. Вместе с Махатмой Ганди, Уинстоном Черчиллем, Нельсоном Манделой, Михаилом Горбачевым, Франклином Рузвельтом, Маргарет Тэтчер и другими выдающимися особами, деятельность которых признана «революционной» в различных областях, упоминается и имя Михаила Барышникова, который назван «революционером в мире балетного и танцевального искусства нашего столетия»…





Барышников является совладельцем ресторана «Русский самовар» в Нью-Йорке, который он открыл вместе с Бродским. Барышников вложил в ресторан накопленные от выступлений деньги. В 1990 году совместно с фирмой Weekend Exercise Co запустил марку одежды для танцовщиков Baryshnikov, также выпускал мужской одеколон под собственным именем — Misha.




Весной 1976 года Михаил познакомился с актрисой Джессикой Лэнг, вскоре у них родилась дочь Александра. В их союзе страсти бушевали с самого начала, поэтому он был обречен. Журналисты поговаривали о частых изменах Джессики, а Джессика говорила, что Барышников сводил ее с ума, заставляя готовить русские блюда и принимать гостей среди ночи.

Во второй раз танцор и хореограф женился на балерине Лизе Райнхарт. В этом браке родились трое детей - сын Петр и дочери Анна и София.

Метки:

Премьера балета "Жар-птица"

25 июня 1910 года в Париже состоялась премьера балета «Жар-птица».



«Жар-птица» - одноактный балет Игоря Стравинского в хореографии Михаила Фокина и оформлении Александра Головина и Леона Бакста, созданный по заказу Сергея Дягилева для его «Русских сезонов в Париже».

Премьера состоялась на сцене парижского театра Гранд-Опера 25 июня 1910 года. Оркестром управлял дирижёр Габриэль Пьерне, главные партии исполнили Тамара Карсавина, Михаил Фокин, Вера Фокина и Алексей Булгаков. Балет написан по мотивам русских народных сказок о волшебной птице, которая является одновременно и благословением, и проклятием для человека, завладевшего ей.




Дягилев первоначально привлек композитора Анатолия Лядова для написания музыки. Лядов работал слишком медленно и Дягилев, в конечном итоге, передал заказ 28-летнему Стравинскому. Балет сделал Стравинского известным, а также положил начало сотрудничеству между Дягилевым и Стравинским, в результате которого появились балеты «Петрушка» и «Весна священная».

Композитор сам присутствовал на репетициях и помогал Тамаре Карсавиной разобраться с ритмом и сложным музыкальным рисунком. Впоследствии балет Фокина входил в репертуар «Оригинального русского балета», где партию Жар-птицы, среди прочих, исполняли Валентина Блинова и Тамара Туманова.

Мизиа Серт - "пожирательница гениев"

30 марта 1872 года в Петербурге, в Царском селе, родилась Мария Годебская более известная как Мизиа Серт, пианистка и хозяйка известнейшего литературно-художественного салона в Париже, муза и покровительница поэтов, живописцев, музыкантов. Поль Моран назвал Мизию Серт пожирательницей влюбленных в нее гениев.

054-misia-sert-theredlist


Боннар, Вюйар, Валлоттон, Тулуз-Лотрек, Ренуар, Пикассо, Равель, Стравинский, Пуленк, Пруст, Кокто, Малларме, Верлен, Шанель, Дягилев — это только ближний круг. В дальнем — среди тех, кого заносило в ее салон (меняя мужей, салон с его завсегдатаями она оставляла за собой),— весь художественный Париж, от Коллет до Нижинского, от Золя до Жана Маре, от Энрико Карузо до Поля Клоделя.

Renoir_Portrait-of-Misia-Sert


Биографию Мизии Серт разобрали на девичьи блоги. Действительно, это весьма поучительно: Мария Зофья Ольга Зенаида Годебска (1872-1950) была дочерью польского скульптора и внучкой бельгийского композитора, но родилась при этом в Царском Селе, куда занесла нелегкая ее ветреного батюшку.

Мать умерла родами, что само по себе уже совсем не весело, а легенда гласит, что еще и не вынеся измены мужа. Девочку отдали на воспитание бабушке в Бельгию, а потом очередная подруга отца и вовсе настояла на отправке дитяти в закрытую монастырскую школу в Париже.

Renoir - 1904 1


Так что детство будущей королевы Парижа прошло, с одной стороны, на коленях друга семьи Ференца Листа, которому девочка играла бетховенскую «Багатель», а с другой - в католической обители, откуда, правда, она довольно быстро сбежала при толком невыясненных обстоятельствах - то ли к любовнику, то ли на деньги друга семьи, но она оказалась в Париже, где жила уроками музыки и даже давала сольные концерты.

Три замужества. Первое - статусное: кузен Таде Натансон был удачлив в делах, умен и к тому же выпускал один из главных французских художественных журналов рубежа веков La Revue blanche.

Lautrec_Misia_Natanson piano


Второе - денежное: влюбившийся в Мизию богач Альфред Эдвардс выкупил жену у Натансона, которая, в свою очередь, на деньги нового мужа содержала кучу голодных художников, в том числе ссужала немалыми суммами Дягилева и его антрепризу, для начала просто скупив все билеты на представления «Бориса Годунова», которые без нее оказались бы последними в карьере Дягилева-продюсера.

К этому времени то, что нравилось Мизии Эдвардс, нравилось всему Парижу, и карьеры другим она делала так же легко, как меняла перья на своих знаменитых шляпах.

Lautrec


Третий брак был по любви - каталонский художник Хосе Мария Серт был ей ровней, и эта пара вошла в историю вместе: «Если бы не Серты, я так бы и осталась дурой»,— говорила Коко Шанель. Потом будут кокаин и морфий, уход мужа к другой светской красавице, скандальная «жизнь втроем», арест за распространение наркотиков, страшная одинокая смерть в роскошной квартире на улице Риволи и идеальное похоронное представление, устроенное подруге самой Коко Шанель.

Музей Орсе рассказывать биографию «пожирательницы гениев», как назвал Мизию Серт Поль Моран, в таких подробностях не будет. Для него она прежде всего гениальная модель гениальных художников. Ее черты на знаменитых полотнах, афишах, рисунках - это черты belle epoque, какой она нам иногда снится.

Felix


Сама же «королева Парижа» гениев коллекционировала, но посвящения себе не особо ценила: «Я не испытываю ни малейших угрызений совести от того, что столько прекрасных стихов потеряно, что дюжины рисунков Тулуз-Лотрека, сделанных на меню, выброшены вместе с остатками вчерашнего обеда, что не могу найти у себя сонет Верлена, в котором он объясняет, почему я стала розой…»

lantelme_in_modes_1908_detail_web_3


В этом, конечно, есть своя доля кокетства. Но, может быть, жизнь для нее действительно была куда более интересна, чем следы от нее? «Каждый раз к Новому году Малларме присылал мне гусиную печенку, сопровождаемую четверостишием. Гусиная печенка съедена, а четверостишия исчезли…»

"Шедевр" Константина Богомолова или 40 минут кашля

18 марта "Театральный хронограф", нельзя сказать, что с удовольствием, но посмотрел спектакль "Волшебная гора" в постановке героя скандальной хроники последних месяцев режиссёра Константина Богомолова.




Сразу же хочется заметить, что для просмотра этого спектакля зритель должен быть особым образом подготовлен. По меньшей мере, прочитать внимательнейшим образом программку этого, так скажем, театрального действа.



Итак, что же ждёт зрителя?

Вот все зрители расселись на свои места и как обычно ждут выхода артистов на сцену. А что же мы имеем в случае "Волшебной горы".

В нашем же случае в большой во всю сцену ржавой коробке уже лежит некий молодой человек с пачкой листов какого-то текста.




Появляется вторая героиня (артистка Елена Морозова) и начинает натужно кашлять в самых разнообразных позах. Покашляв примерно десять минут, она выходит к микрофону и совершенно безэмоциональным голосом читает нам отрывки стихов, посвящённых определённому времени года. 



Все это транслируется телекамерой на большой экран сбоку сцены. И так повторяется в течение около 40 минут - 4 "десятиминутки" кашля и 4 подхода прочтения стихов. Просвещённый зритель поймет, что это иллюстрации "Сезонных картин из стихотворений русских поэтов Николая Некрасова, Николая Заболоцкого и Варлама Шаламова" (текст программки спектакля). Возможно эти приступы кашля должны были создавать атмосферу санатория, где лечат туберкулез, если всё-таки вспомнить Томаса Манна, у которого позаимствовано только название спектакля, но не прозвучало ни одного слова из текста автора. "Тело текста умерло, а дух остался". (Из той же программки).




Следует отметить, что в большинстве своём зритель пришёл неподготовленный и в конце 4-го раунда стал сам дружно подкашливать, аккомпанируя таким своеобразным образом кашлю главной героини. Однако среди зрителей нашлись и "слабаки", которые стали покидать зрительный зал, не дождавшись "продолжения концерта".

Итак,  после того как все недовольные покинули зал, а остальные прокашлялись, начинается вторая часть спектакля. Диалоги о смерти. И пишут, что слова этих, так скажем, бесед взяты из рассказов самого Константина Богомолова.

Здесь вступает в действие наш главный герой (артист Лера Горин), который вместе с главной героиней начинают серию диалогов, суть которых касается темы смерти в разнообразных её проявлениях. Это и своеобразная реанимация покойников в  морге, людоедство в блокадном городе, музыкальные концерты на оргАне из покойников.




Своеобразной "вишенкой на торте" был диалог между доктором и 83-пациенткой, возомнившей себя беременной в этом возрасте. Врач же зная, что она больна раком, не спешит разуверить её, объясняя невидимому собеседнику, что она всё равно умрёт. Но пусть считает, что умирает от родовых мук, а не от раковых.




И это всё. Герои уходят со сцены и больше уже не появляются на обозрение публики. А где же поклоны, спросите Вы? Девушка - капельдинер, поясняет, что это талантливая задумка режиссёра. Немного разочарованный зритель под музыкальное сопровождение из повторяющихся фраз на неизвестном языке, покидает зрительный зал.




И что мы имеем в итоге. Герой светской хроники Константин Богомолов удивил. Но даже не удивил, а поставил своеобразный театральный эксперимент над зрителем, испытывая его долготерпение и толерантность.




В своём "новаторском" подходе к режиссуре этого спектакля Богомолов использовал все самые модные театральные "фишки" нашего времени. Это - и длительный кашель героини с перерывами на протяжении половины этого действа, чтение стихов без всякого выражения на фоне размытых кадров на телевизионном экране, тема смерти, вызывающая всегда неоднозначную реакцию публики, убогость декораций и полное отсутствие актёрской игры. В этом случае  Станиславский даже не смог бы вынести свой вердикт, что не верит, поскольку  сценическое искусство и игра актёров в спектакле отсутствуют полностью.

Складывется такое впечатление, что в погоне за модными атрибутами, режиссёр совсем забыл о главном действуещем лице в театре - зрителе. Если зритель не принимает установки режиссёра, это, по-Богомоловски, - проблема зрителя, а не режиссёра. Такой подход, наверное, тоже имеет право на существование. Но надо не забывать, что зритель всё-таки платит свои личные деньги за добротное театральное действо, а не за то, чтобы стать подопытным кроликом в изысканиях неординарного режиссёра.

А вот что говорил сам Константин Богомолов о "Волшебной горе":
- Ну, ждать стоит, прежде всего, спектакля никак не связанного с сюжетом "Волшебной горы". Те, кто ожидают услышать текст Томаса Манна, тоже уйдут ни с чем. Мы хотели довести интепретацию до ее логического предела - изгнать букву пьесы и оставить один дух. Описывать то, что получилось в результате - это все равно что, например, пересказывать перформанс или инсталляцию.
https://www.gazeta.ru/culture/2017/10/02/a_10914386.shtml




Получается, что режиссёр сам с трудом представляет, что у него получилось на сцене уважаемого нами "Электротеатра". А на фоне скандальных разборок с уже бывшим мужем Ксении Собчак создаётся впечатление, что сам Богомолов резко охладел к своему творению. Вместо Богомолова в последних спектаклях участвует малоизвестный актёр Лера Горин, а с учётом реакции зрителей время представления сокращено с 1 часа 20 минут до часа, но театральный эксперимент Константина Богомолова тем не менее продолжается.

И какой же итог? Эксперимент - это конечно хорошо, но это надо делать в творческих лабораториях, а не на людях и не за их же деньги. Такое новаторство за счёт зрителя - это как-то не "комильфо". На ум сразу же приходят вечные слова из сказки Андерсена - "А король-то голый". Можно конечно пуститься в разглагольствования, что зритель не готов, зритель не понимает. Но можно также сказать, что 40 минут кашля, 4 стихотворения и некрофильские диалоги - это всё-таки не театр, к которому привык взыскательный зритель.




А может быть всё проще. Как заметил один критик, может быть эта "Волшебная гора" -"всего лишь халтура в самом центре Москвы?".

Норман Роквелл - легендарный "мастер капреализма"

3 февраля 1894 года родился Норман Роквелл, американский художник, иллюстратор, плакатист, «мастер капреализма». За долгие 47 лет творчества создал более 300 обложек в когда-то массовом и популярном журнале «Saturday Evening Роst».




Хотя серьезные искусствоведы называют его произведения воплощением «американской пошлости и мещанства» (в частности, Владимир Набоков говорил, что «Дали, на самом деле, брат-близнец Нормана Роквелла, украденный в детстве цыганами»), он считается самым любимым американским художником, «предельно доступным реалистом, чей изобразительный язык прямолинеен и показывает людям мир, каким его хотелось 6ы видеть».




Два выдающихся творца «фабрики грез», Стивен Спилберг и Джордж Лукас, на протяжении многих лет скупали и коллекционировали его работы. Автор «Списка Шиндлера» признавался, что картина Роквелла «Мальчик на вышке для прыжков воду» (1947) представляет собой воплощение каждого фильма, за который ему пришлось браться: «Каждый из нас на новом этапе своей жизни оказывается лежащим вот на такой доске на вышке прежде, чем сможет сделать свой выбор».




Забавно, но одна из его работ под названием «Счастливого Рождества, бабушка! У нас новый «Плимут» чем-то напоминает картину народного художника СССР Федора Решетникова «Опять двойка».




«Тройной автопортрет» Роквелла - это самая знаменитая его работа, ставшая символом американского искусства и репродуцированная во многих изданиях. Ныне находится в коллекции Стивена Спилберга.




В 1970-м художник удостоился почетнейшей награды - президентской медали Свободы «за яркие и характерные изображения американской жизни».




«После выпускного бала», иллюстрация к журналу для мальчиков



«Girl with Black Еуе», 1953