Category: искусство

Category was added automatically. Read all entries about "искусство".

Премьера "Трёхгрошовой оперы"

31 августа 1928 года в берлинском Театре на Шиффбауэрдамм состоялась премьера «Трёхгрошовой оперы» Бертольда Брехта и Курта Вайля.




«Трёхгрошовая опера» - пьеса в трёх действиях, одно из самых известных произведений немецкого поэта и драматурга Бертольта Брехта.

Постановку осуществил Эрих Энгель; художник Каспар Неер в оформлении спектакля использовал найденные им прежде приемы: низкий занавес, щиты с надписями. По обе стороны сцены были установлены холщовые экраны, на которых появлялось название исполняемого зонга.




Оркестр располагался на сцене, в глубине её стоял орган, как бы напоминавший зрителю о пышной академической опере, которую пародировала пьеса Брехта; во время исполнения зонгов на орган направлялись цветные прожекторы, а сцена освещалась золотистым светом. Роль Макхита исполнял Гаральд Паульзен, Пичема - известный по выступлениям в Дюссельдорфе и Дрездене провинциальный комик Эрих Понто, Селии Пичем - Роза Валетти. Музыкальное сопровождение в этой постановке обеспечил оркестр Людвига Рюта.




Спектакль имел шумный успех, в прессе различных направлений разгорелась полемика. Однако большинство критиков приняло спектакль одобрительно, а рецензент «Das Tagebuch» Стефан Гросман даже восторженно: «Брехт наконец победил» — так озаглавил он свою статью о «Трехгрошовой опере». Критик журнала «Театр» Кюршнер оценил успех ансамбля как «самый сенсационный успех сезона».

Но было немало и негативных отзывов. Так, рецензент газеты «Das Tageblatt» 24 июля 1929 года писал: «Всё, без исключения всё, здесь растоптано, осквернено, попрано — начиная от Библии и духовенства вплоть до полиции и вообще всех властей… Хорошо, что при исполнении некоторых баллад, не всё можно было расслышать». Газета «Роте Фане», орган коммунистической партии Германии, отметила в постановке недостаточную социальную конкретность. Публика, писал Эрнст Шумахер, восприняла «Трёхгрошовую оперу» как яркий образец того самого «кулинарного театра», предназначенного для наслаждения, которому Брехт стремился противопоставить свой «эпический театр». Тем не менее, успех был общепризнанным. Весной 1929 года спектакль был возобновлен в том же театре, но с другими исполнителями.

promo teachron february 21, 2014 11:52 1
Buy for 100 tokens
Больше страсти! - говорит режиссер оперному тенору. - Неужели вы никогда не любили? - Любил, - отвечает тенор. - Но никогда при этом не пел. От меня зависит, в каком свете будет представлена новая пьеса. - Вы режиссер? - Нет, осветитель. В опере: - Тебе не нравится? - шепотом спрашивает…

Лотта Якоби - гений фотопортрета

17 августа 1896 года родилась Лотта Якоби (Lotte Jacobi). Родоначальница абстрактной фотографии, она прославилась прежде всего сериями портретов.




«Я родилась для фотографии», — говорила Лотта. Её прадедушка еще в 1840 году встретился с Луи Дагером и купил лицензию и оборудование для производства дагерротипов. Вернувшись в Германию, он занялся фото-бизнесом. Ее дедушка, отец, дяди, тети и даже сестра тоже были фотографами. Лотта начала свою карьеру в 12 лет помогая отцу. Через несколько лет она стала одним из самых успешных фотографов в Берлине.

В начале 1930-х Лотта Якоби побывала в СССР и по возвращению в Германию была арестована и направлена в концлагерь, откуда чудом вырвалась. В 1935 году она эмигрировала в США. Здесь ей пришлось начать с нуля, но ее талант и работоспособность быстро превратили ее в преуспевающего фотографа. Многие годы известная всему миру фотостудия Якоби находилась на Манхэттене, на углу 6-й авеню и 57-й улицы.

Хотя Лотта пробовала себя в различных жанрах, наибольшего успеха она добилась в фотопортрете. Каждый ее портрет перерастал в фотоновеллу, читая которую можно было узнать о герое больше, чем из посвященной ему монографии. «Делая портреты, я отказываюсь фотографировать себя, чем занимаются многие фотографы», говорила Лотта. А на вопрос, каков ее стиль, отвечала: «Это стиль тех людей, которых я фотографирую».

Начало пятидесятых стало для Якоби временем трагических потерь: умерла мать, год спустя — муж, еще через два года — ближайший друг семьи, бывший для Лотты опорой после смерти мужа. И художница уезжает к сыну в штат Нью-Гемпшир. Там она продолжает свою карьеру фотографа почти до самой смерти.

Отвечая на вопрос, каков ее стиль, Лотта Якоби говорила: «Это стиль тех людей, которых я снимаю». В разное время в ее объективе были Альберт Эйнштейн и Альфред Стиглиц, Томас Манн и Роберт Фрост, Анри Барбюс и Константин Станиславский.




В 1945 году она фотографировала Марка Шагала и его дочь Иду. Художник долго рассматривал пробные отпечатки снимков, а потом произнес: «Теперь я понимаю: фотография – это искусство».





Лотта Якоби прожила долгую жизнь – 94 года, из которых больше семидесяти отданы были фотографии. Начав в конце второго десятилетия прошлого века, она шла в своем искусстве в ногу с развитием фототехники, с разработкой принципиально новых методов и приемов фотографирования, предлагая собственные, всегда оригинальные, всегда поражающие новизной и изобретательностью, всегда и повсюду немедленно тиражируемые методы и приемы.

Апполинарий Васнецов и исторический пейзаж

6 августа 1856 года родился Аполлинарий Васнецов, русский живописец, младший брат Виктора Васнецова. Он учился у Репина, Поленова и, конечно же, у своего брата.




Аполлинарий Васнецов - зачинатель исторического пейзажа. Это новая форма была придумана им. Москва 17 века оживает на его пейзажах «Улица в Китай-городе», «Красная площадь»... В Третьяковкой галерее представлены эпические полотна художника: «Родина», «Тайга на Урале», «Синяя гора», «Кама»…






Искусствоведы и историки говорят, что Васнецов будто сквозь землю видел древнюю Москву. Он знал, что можно найти при раскопках в том или ином месте города. Уже в весьма преклонном возрасте создатель живописной летописи Москвы вместе с метростроевцами спускался в тоннели и шахты. Аполлинарий Михайлович искал в подземельях столицы следы прошлой жизни, ставшей для многих историей и сказкой.




Сын художника Всеволод вспоминал: «Опасаясь, что при работах, связанных с постройкой метро, многие исторические памятники будут навсегда утеряны, отец обратился с письмом в газету "Московская правда". В нём он обращал внимание строителей на большую научную ценность таких находок и призывал их к сотрудничеству со специалистами - историками или археологами… Ему хотелось всё увидеть собственными глазами, прикоснуться к остаткам былой эпохи. Не считаясь ни с чем, он пробирался в самую глубину туннеля. А вернувшись из такой экспедиции, сразу же (пока свежо в памяти) записывал и подробно зарисовывал всё, что видел интересного».

Мария Башкирцева о коммунистах в России

29 июля 1874 года, находясь в Ницце, четырнадцатилетняя Мария Башкирцева (впоследствии известная художница и мемуаристка) сделала в дневнике такую запись: "Говорят, что в России есть шайка негодяев, которые добиваются коммуны; это ужас что такое! Всё отобрать и иметь всё сообща. И их проклятая секта так распространена, что журналы делают отчаянные воззвания к обществу».




«Неужели отцы семейства не положат конца этому безобразию? – возмущалась девочка-подросток за 43 года до Октябрьской революции. - Они хотят все погубить. Чтобы не было больше цивилизации искусства, прекрасных и великих вещей: одни материальные средства к существованию... Хотят уничтожить университеты, высшее образование, чтобы сделать из России карикатуру Спарты!.."

Джорджо де Кирико - художник и теоретик модернизма

10 июля 1888 году родился Джорджо де Кирико - итальянский художник и теоретик модернизма. Он говорил: «То, что я слышу, – ничего не значит; существует только то, что я вижу своими глазами, – и даже более того, то, что я вижу с закрытыми глазами».




В 1910-е годы Джорджо де Кирико создал свои самые значительные произведения – серию видов пустынных городских площадей и натюрмортов, состоящих из совершенно не связанных друг с другом предметов. Художник наполнил самые обыденные ситуации ощущением ирреальности и смутной тревоги.






Он сформулировал теоретическое обоснование так называемой метафизической живописи и оказал огромное влияние на Макса Эрнста, Ива Танги и Сальвадора Дали. Андре Бретон утверждал: «Только произведения де Кирико дали возможность выразить программу сюрреалистов средствами изобразительного искусства».

Премьера балета "Жар-птица"

25 июня 1910 года в Париже состоялась премьера балета «Жар-птица».



«Жар-птица» - одноактный балет Игоря Стравинского в хореографии Михаила Фокина и оформлении Александра Головина и Леона Бакста, созданный по заказу Сергея Дягилева для его «Русских сезонов в Париже».

Премьера состоялась на сцене парижского театра Гранд-Опера 25 июня 1910 года. Оркестром управлял дирижёр Габриэль Пьерне, главные партии исполнили Тамара Карсавина, Михаил Фокин, Вера Фокина и Алексей Булгаков. Балет написан по мотивам русских народных сказок о волшебной птице, которая является одновременно и благословением, и проклятием для человека, завладевшего ей.




Дягилев первоначально привлек композитора Анатолия Лядова для написания музыки. Лядов работал слишком медленно и Дягилев, в конечном итоге, передал заказ 28-летнему Стравинскому. Балет сделал Стравинского известным, а также положил начало сотрудничеству между Дягилевым и Стравинским, в результате которого появились балеты «Петрушка» и «Весна священная».

Композитор сам присутствовал на репетициях и помогал Тамаре Карсавиной разобраться с ритмом и сложным музыкальным рисунком. Впоследствии балет Фокина входил в репертуар «Оригинального русского балета», где партию Жар-птицы, среди прочих, исполняли Валентина Блинова и Тамара Туманова.

145 лет первой выставке художников-импрессионистов

15 апреля 1874 года в Париже на бульваре Капуцинов открылась первая выставка произведений художников-импрессионистов.




Термин этот родился случайно. Поводом послужило название пейзажа Клода Моне "Впечатление. Восход солнца" (от французского impression - впечатление), который экспонировался как раз на той выставке. Критика встретила новую живопись грубыми насмешками и даже травлей. Правда, уже с конца 1880-х годов многие приемы импрессионистов были подхвачены представителями академического и салонного искусства.




Эдгар Дега по этому поводу заметил: "Нас расстреливали, но при этом обшаривали наши карманы". А когда импрессионизм окончательно вошел в моду, известную картину Дега "Танцовщицы, тренирующиеся у стойки" продали за 500 тысяч франков. Когда Дега узнал об этом, он сказал: "Художник, который написал это не обязательно слабоумный; но тот, кто заплатил за это 500 тысяч франков, самый настоящий идиот".

Мизиа Серт - "пожирательница гениев"

30 марта 1872 года в Петербурге, в Царском селе, родилась Мария Годебская более известная как Мизиа Серт, пианистка и хозяйка известнейшего литературно-художественного салона в Париже, муза и покровительница поэтов, живописцев, музыкантов. Поль Моран назвал Мизию Серт пожирательницей влюбленных в нее гениев.

054-misia-sert-theredlist


Боннар, Вюйар, Валлоттон, Тулуз-Лотрек, Ренуар, Пикассо, Равель, Стравинский, Пуленк, Пруст, Кокто, Малларме, Верлен, Шанель, Дягилев — это только ближний круг. В дальнем — среди тех, кого заносило в ее салон (меняя мужей, салон с его завсегдатаями она оставляла за собой),— весь художественный Париж, от Коллет до Нижинского, от Золя до Жана Маре, от Энрико Карузо до Поля Клоделя.

Renoir_Portrait-of-Misia-Sert


Биографию Мизии Серт разобрали на девичьи блоги. Действительно, это весьма поучительно: Мария Зофья Ольга Зенаида Годебска (1872-1950) была дочерью польского скульптора и внучкой бельгийского композитора, но родилась при этом в Царском Селе, куда занесла нелегкая ее ветреного батюшку.

Мать умерла родами, что само по себе уже совсем не весело, а легенда гласит, что еще и не вынеся измены мужа. Девочку отдали на воспитание бабушке в Бельгию, а потом очередная подруга отца и вовсе настояла на отправке дитяти в закрытую монастырскую школу в Париже.

Renoir - 1904 1


Так что детство будущей королевы Парижа прошло, с одной стороны, на коленях друга семьи Ференца Листа, которому девочка играла бетховенскую «Багатель», а с другой - в католической обители, откуда, правда, она довольно быстро сбежала при толком невыясненных обстоятельствах - то ли к любовнику, то ли на деньги друга семьи, но она оказалась в Париже, где жила уроками музыки и даже давала сольные концерты.

Три замужества. Первое - статусное: кузен Таде Натансон был удачлив в делах, умен и к тому же выпускал один из главных французских художественных журналов рубежа веков La Revue blanche.

Lautrec_Misia_Natanson piano


Второе - денежное: влюбившийся в Мизию богач Альфред Эдвардс выкупил жену у Натансона, которая, в свою очередь, на деньги нового мужа содержала кучу голодных художников, в том числе ссужала немалыми суммами Дягилева и его антрепризу, для начала просто скупив все билеты на представления «Бориса Годунова», которые без нее оказались бы последними в карьере Дягилева-продюсера.

К этому времени то, что нравилось Мизии Эдвардс, нравилось всему Парижу, и карьеры другим она делала так же легко, как меняла перья на своих знаменитых шляпах.

Lautrec


Третий брак был по любви - каталонский художник Хосе Мария Серт был ей ровней, и эта пара вошла в историю вместе: «Если бы не Серты, я так бы и осталась дурой»,— говорила Коко Шанель. Потом будут кокаин и морфий, уход мужа к другой светской красавице, скандальная «жизнь втроем», арест за распространение наркотиков, страшная одинокая смерть в роскошной квартире на улице Риволи и идеальное похоронное представление, устроенное подруге самой Коко Шанель.

Музей Орсе рассказывать биографию «пожирательницы гениев», как назвал Мизию Серт Поль Моран, в таких подробностях не будет. Для него она прежде всего гениальная модель гениальных художников. Ее черты на знаменитых полотнах, афишах, рисунках - это черты belle epoque, какой она нам иногда снится.

Felix


Сама же «королева Парижа» гениев коллекционировала, но посвящения себе не особо ценила: «Я не испытываю ни малейших угрызений совести от того, что столько прекрасных стихов потеряно, что дюжины рисунков Тулуз-Лотрека, сделанных на меню, выброшены вместе с остатками вчерашнего обеда, что не могу найти у себя сонет Верлена, в котором он объясняет, почему я стала розой…»

lantelme_in_modes_1908_detail_web_3


В этом, конечно, есть своя доля кокетства. Но, может быть, жизнь для нее действительно была куда более интересна, чем следы от нее? «Каждый раз к Новому году Малларме присылал мне гусиную печенку, сопровождаемую четверостишием. Гусиная печенка съедена, а четверостишия исчезли…»

"Ослиный хвост" на Пятницкой

25 марта 1912 года в Москве, на Мясницкой улице, в новом выставочном зале Московского училища живописи, ваяния и зодчества, открылась первая самостоятельная выставка художников-авангардистов группы "Ослиный хвост".




Свое эпатажное название ведет от скандала в парижском "Салоне независимых", где группа мистификаторов выставила в 1910 году абстрактную картину, на деле "написанную" хвостом упомянутого животного.

BoronaliBoronari1

Ядро московской выставки составили работы группы М.Ф. Ларионова, который незадолго до этого вместе с Н.С. Гончаровой (двоюродной правнучкой жены Пушкина) и рядом других художников вышел из объединения "Бубновый валет", решив организовать свою собственную, гораздо более авангардную экспозицию. В стилистике группы доминировали нарочитый примитив, мотивы сельской архаики или грубоватого городского фольклора.

Khorovod

Среди откликов на выставку "Ослиный хвост" особенно интересна статья М. Волошина, который использовал для эпиграфа (в вольном пересказе) фразу из сказки А. Ремизова "Купальские огни": "...Криксы-Вараксы скакали из-за крутых гор, лезли к попу в огород, оттяпали хвост попову кобелю, затесались в малинник, там подпалили собачий хвост, играли с хвостом... " Так все в точности и случилось, писал далее Волошин: "Криксы-Вараксы" - это были Ларионов и Гончарова, "поповым кобелем" - "Бубновый валет", только собачий хвост для важности был на этот раз назван "ослиным".

"Малинником" оказалось новое выставочное помещение в Школе живописи и ваяния, там же его и "подпалили" в день открытия выставки, и настолько удачно, что понадобилось вмешательство пожарной команды (на выставке случился пожар). Волошин с иронией отметил, что публика была разочарована, она уже привыкла к скандалам и ожидала большего, поэтому "хвосты оказались не на высоте своего имени... "

лучизм

Норман Роквелл - легендарный "мастер капреализма"

3 февраля 1894 года родился Норман Роквелл, американский художник, иллюстратор, плакатист, «мастер капреализма». За долгие 47 лет творчества создал более 300 обложек в когда-то массовом и популярном журнале «Saturday Evening Роst».




Хотя серьезные искусствоведы называют его произведения воплощением «американской пошлости и мещанства» (в частности, Владимир Набоков говорил, что «Дали, на самом деле, брат-близнец Нормана Роквелла, украденный в детстве цыганами»), он считается самым любимым американским художником, «предельно доступным реалистом, чей изобразительный язык прямолинеен и показывает людям мир, каким его хотелось 6ы видеть».




Два выдающихся творца «фабрики грез», Стивен Спилберг и Джордж Лукас, на протяжении многих лет скупали и коллекционировали его работы. Автор «Списка Шиндлера» признавался, что картина Роквелла «Мальчик на вышке для прыжков воду» (1947) представляет собой воплощение каждого фильма, за который ему пришлось браться: «Каждый из нас на новом этапе своей жизни оказывается лежащим вот на такой доске на вышке прежде, чем сможет сделать свой выбор».




Забавно, но одна из его работ под названием «Счастливого Рождества, бабушка! У нас новый «Плимут» чем-то напоминает картину народного художника СССР Федора Решетникова «Опять двойка».




«Тройной автопортрет» Роквелла - это самая знаменитая его работа, ставшая символом американского искусства и репродуцированная во многих изданиях. Ныне находится в коллекции Стивена Спилберга.




В 1970-м художник удостоился почетнейшей награды - президентской медали Свободы «за яркие и характерные изображения американской жизни».




«После выпускного бала», иллюстрация к журналу для мальчиков



«Girl with Black Еуе», 1953